Esta es una película que me encanta, porque soy una super fan de Stephen King desde que era adoles
cente. Es la mejor película de terror que he visto en mi vida y de todos los tiempos. Gracias a ella y al Resplandor, este escritor empezó como se suele decir vulgarmente " a montarse en el Dollar".
Trata sobre una chica tímida que las compañeras se burlan de ella en el colegio y descubre, por casua
lidad que tiene poderes telequinésicos. Aquí os subo la escena final de la venganza en la fiesta del ins
tituto que es la más terribles de esta película. En el libro el nombre de la fiesta se llama " Amor bajo las estrellas". Pero en el libro el nombre es diferente y se llama "Primavera en Venecia". Hay otras di
ferencias entre el libro y la película como por ejemplo que la profesora de gimnasia en el libro se lla
ma " Rita Desjardin" y en la peli se llama "Srta Collins" y es la actriz que interpreta a la madrastra en la serie "Con ocho basta" y se llama "Abey Dalton". El actor que interpreta a Tommy Ross es William Katt que actuó en la serie "El gran Héroe Americano junto a Connie Selleca y Robert Culp. Otra diferencia es que en el libro Carrie mata a su madre y luego a Chris y Billy( John Travolta) y en la peli es al contrario. Primero a Chris y Billy y luego a su madre. Y en el libro la muerte de Carrie es también muy distinta porque ella muere en los brazos de Sue y en la peli derrumba la casa , y ésta cae sobre ella.
La música la compuso Pino Donaggio que era un compositor italiano que nació en la isla de Burano. . La banda sonora fue lanzada en vinilo en 1976 por la productora United Artistis y cinta de casette.
Escenas de la película Carrie
Película de Carrie
Carrie White- Sissy Spacek
Tommy Ross-William Katt
William Katt
Betty Buckley-Miss Collins
Nancy Allen- Chris Hargesen y John Travolta Billy Nollan
Estos conciertos fueron compuestos en 1719 o 1729 y fueron interpretados por primera vez poco tiempo después en la corte de Cöthen.
A menludo constituye un misterio la forma en que algunas composiciones adquieren sus apodos. Nadie sabe con certeza, por ejemplo, de dónde provienen los nombres de la Sinfonía Júpiter de Mozart o el concierto El Emperador de Beethoven. Varias obras llevan nombres de personas. El Kreutzer de la Sona
ta para Violín de Beethoven era un violinista, en tanto que que el Waldstein de su Sonata para Piano era un noble. Las variaciones Goldberg de Bach fueron encargadas por el conde von Kayserling. Goldberg era el sufrido clavecinista que interpretaba esas variaciones, noche tras noche, para hacer dormir al con
de. Los conciertos Brandeburgueses también han sido designados con el nombre de una persona: Chris
tian Ludwig, margrave Brandeburgo. Resulta irónico que la historia haya bautizado a esta música con el nombre de Brandeburgueses, puesto que a Christian Ludwig no le interesaba. Sin embargo, si todavía se recuerda al tal magrave es sólo por estos conciertos.
Fueron compuestos mientras estaba empleado en la corte del príncipe "Leopoldo de Anhalt -Cöthen". Como el príncipe pertenecía a la "Iglesia Calvinista Reformada", en la que la música desempeñaba un escaso papel, a Bach no se le pedía que compusieras parra la iglesia. Su producción durante los años que pasó en "Cöthen" consistió en obras instrumentales.
En 1718, mientras estaba en Berlín para encargar un nuevo clavecín el compositor conoció al magrave de Brandeburgo. Christian Luwig cultivaba sus relaciones con muchos músicos, y coleccionaba partitu ras, especialmente de conciertos. Escuchó tocar a Bach y, más tarde, mencionó en tono casual que esta ba interesado en una serie de conciertos. Pronto el tal magrave se olvidó de su petición y sin duda se sor prendió cuando dos años más tarde , recibió una partitura hermosamente autografiada de seis conciertos para varios instrumentos. Probablemente, Bach se había tomado tanto tiempo para escribir esta música porque sentía muy poco entusiasmo por componer para la pequeña orquesta de la corte de Brandeburgo. Bach se consideraba a sí mismo como un humilde servidor ; la era del artista como genio independiente aún no había llegado. De este modo, la dedicatoria de Bach a Luwig para las costumbres actuales pare ce obsequiosa:
"Hace dos años tuve la buena fortuna de tocar ante Vuestra Alteza Real por Vuestra Orden y percibí en ese momento que vuestra alteza demostraba cierto placer ante el pequeño talento musical que el cielo me ha concedido. Cuando me despedí, Vuestra Alteza Real me hizo el gran honor de pedirme que le enviara algunas piezas de mi propia composición: por lo tanto, y de acuerdo con el gracioso pedido de Vuestra Alteza, me he tomado la libertad de cumplir con mi humilde deber ante Vuestra Alteza Real con estos conciertos, que he orquestado para varios instrumentos.
Ruego muy humildemente a Vuestra Alteza que no juzgue su imperfección con el rigor del fino y delica do gusto por las piezas musicales por el que es universalmente conocida Vuestra Alteza, sino que infiera de ellos, en benigna consideración, el profundo respeto y más humilde obediencia que con ello intento demostrar a Vuestra Alteza.
Además, Señor, ruego con toda humildad que Vuestra Alteza Real siga teniendo la bondad de tenerme en su beneplácito y que sepa que no hay nada más caro a mí corazón que el poder servirle en ocasiones más dignas de Vuestra Alteza y de su servicio.
Con todo fervor, señor, quedo a los pies de Vuestra Alteza Real, como su más humilde y Obediente servidor, Johann Sebastian Bach."
Es bastante irónico que uno de los grandes compositores del mundo se postrara de ese modo al dedicar
algunas de las piezas más importantes de la música de este mundo a alguien que ni siquiera habría de molestarse en hacerla interpretar. A Christian Ludwig los conciertos no le parecieron lo suficientemente
buenos como para incluirlos en el catálogo de su biblioteca, que, de hecho, comprendía casi doscientos conciertos de otros compositores. El manuscrito de Bach pasó desapercibido hasta 1734, año en que fue vendido por una pequeña suma después de la muerte de Ludwig.
La instrumentación es diferente en cada concierto, pero en todos los casos el conjunto era demasiado grande para los músicos de Brandeburgo. Sin embargo, cada pieza se adecuaba perfectamente a los re
cursos disponibles en Cöthen, y este hecho sugiere que tal vez los conciertos fueron escritos para ser uti
lizados en la corte de Leopoldo y que recién más tarde fueron dedicados a Christian Ludwig.
Los conciertos Brandeburgueses son típicos de su época, porque emplean una diversidad de combinacio
nes instrumentales dentro del formato del concerto grosso. No obstante, algunos aspectos de los concier
tos son francamente experimentales: el tratamiento virtuoso de la trompeta (Concierto Número 2), del violín(Concierto Número 4) y del clave( Concierto Número 5); la supresión del contraste entre un pe
queño grupo de solistas y un mayor cuerpo de cuerdas acompañante (Concierto Número 3 y primer mo
vimiento del Concierto Número 1); hacer que los solistas y el continuo ejecutaran un movimiento inter
medio sin orquesta ( Conciertos Números 2 y 6). Los conciertos Brandeburgueses constituyen al mismo
tiempo un resumen de la tradición del concerto grosso barroco y un presagio del concierto instrumental de la era clásica inminente.
Armado en cuatro movimientos en lugar de los tres que eran habituales, el Primer Concierto es, en mu
chos sentidos, el más elaborado. Su orquesta incluye un violín solista, tres oboes y dos corni da caccia
(cuernos de caza), además de las cuerdas y el continuo habituales(línea de graves más relleno armónico, en este caso mejor representadas por el fagot, las cuerdas graves y el clave). El violín solista que Bach tenía en mente es el violino piccolo, pequeño y de tono agudo.
Tradicionalmente un concerto grosso contrasta la masa orquestal, denominada el ripieno, con el grupo solista, denominado el concertino. En el primer Concierto Brandeburgués hay una diversidad considera
ble en el tratamiento del concertino. El primer movimiento en su mayor parte orquestal, y recuentemen te todos los instrumentos tocan simultáneamente. También hay breves pasajes de solo para los cornos o algunos de los oboes, pero la alternación a gran escala de los grandes y pequeños grupos, atípica de los conciertos barrocos iniciales, está ausente.
El segundo movimiento lento presenta, a su vez, un oboe, el violín solista, y el bajo continuo, cada uno de ellos con un solo muy elaborado. Hacia el final, el violín solista y el oboe tocan un hermoso contra
punto. También aquí la aproximación a la orquesta es imaginativa y atípica a la tradición del concerto grosso; el concertino no es tratado como un grupo uniforme sino más bien como un Número de solistas, cada uno con su propia oportunidad de brillar. El final es especialmente imaginativo, con su alteración de acordes únicos en el continuo, los vientos y las cuerdas.
El tercer movimiento es orquestal, como el primero, pero Bach utiliza una variedad de combinaciones de instrumentos solistas. Es como si hubiera concebido el movimiento como un concerto grosso para un concertino variable.
El cuarto movimiento, una serie de danzas e interludios, ha sido denominado tratado de instrumentación barroca. En su sección principal, un minuet, la instrumentación de todo el conjunto es utilizada en una orquestación masiva, casi apacible, donde los vientos constantemente duplican a las cuerdas. Esta sono
ridad plena constituye un contraste sorprendente con respecto a los delicados interludios con los que se alterna: un trío para oboes y fagotes, una polacca( danza estilizada de origen polaco) para cuerdas que presenta a los primeros violines, y un trío para cornos y oboes. Los tríos, cada uno de ellos elaborado es
pecialmente para alguno de los instrumentos del concertino, constituyen momentos de deliciosa música de cámara en medio de una textura orquestal absolutamente sinfónica.
El Segundo Concierto tiene el grupo más variado de instrumentos solistas dentro del conjunto de con
ciertos: trompeta, flauta, oboe y violín. Debido al sonido espectacular de la trompeta aguda, el Segundo Concierto Brandeburgués es conocido principalmente por sus solos de bronce. El instrumento que Bach
tenía en mente era la pequeña trompeta en Fa, que en aquellos tiempos no tenía válvulas. De este modo, el trompetista tenía que proyectar notas diferentes, incluyendo trinos rápidos, principalmente variando la presión de los labios. Por lo tanto, la parte de la trompeta era mucho más dificultosa en 1718 que en nuestros días. Aun hoy, sin embargo, es una hazaña impresionante tocar esta música para virtuosos.
Los instrumentos solistas son presentados al comienzo del primer movimiento. Primero un tutti orques
tal, luego el violín; otro tutti seguido por un oboe, acompañado por el violín; después de un tercer tutti se presenta la flauta, acompañada por el oboe; otro tutti y oímos la trompeta, acompañada por la flauta. Para entonces comprendemos que Bach está investigando no solamente cada instrumento solista y el cuarteto de solistas, sino todos los dúos posibles dentro del grupo de cuatro( en realidad, guarda un dúo
-trompeta y oboe- para el principio del último movimiento).
El movimiento lento está instrumentado para un trío de solistas (la trompeta queda en silencio) más los instrumentos del continuo. El conjunto en pleno vuelve a tocar en el final. Se inicia como una fuga acompañada, en la que se da a cada uno de los cuatro instrumentos solistas la oportunidad de expresar el tema de la fuga. El tema del acompañamiento que se oye al principio en el violonchelo y el clavecín, eventualmente pasa a otros instrumentos. En realidad, el movimiento es una doble fuga; una fuga con dos temas melódicos, siempre expresados simultáneamente. De este modo, detrás de la magnífica bra
vura de este movimiento tan directo subyace una composición de una sutileza y un arte sorprendentes.
En contraste con el Segundo, el Tercer Concierto no requiere instrumentos solistas. Hay tres partes para violín, tres partes para viola, tres partes para violonchelo, y un continuo (en este caso probablemente ba
jos). La falta de un pequeño grupo de solistas que actúe como contraste con este conjunto de cuerdas completo pone a esta obra un poco fuera de la tradición del concerto grosso. Guarda alguna relación con la canzona veneciana, compuesta hacia fines del siglo XVI por Giovanni y Andrea Gabrieli, que presen
ta una alternación de coros de instrumentos similares. El Concerto Brandeburgués Número 3 divide su conjunto de cuerdas en tres grupos de tres. Esta instrumentación de tres por tres brinda una rica textura de contrapunto. Por momentos Bach compone un contrapunto de tes partes dentro de cada grupo, y en otros momentos, hay un contrapunto entre los tres grupos.
Otra característica inusual de este concierto es la falta de un movimiento lento escrito. En cambio, los dos allegros están separados solamente por dos acordes. Los estudiosos creen que el mismo Bach impro
visaba en el clavecín un movimiento lento que finalizaba con estos acordes ejecutados por las cuerdas. Si esta creencia fuera cierta, constituiría una evidencia más en sustento de la idea de que los Conciertos
Brandeburgueses fueron en realidad escritos para que el mismo Bach los interpretara en Cöthen y no pa
ra los músicos brandeburgueses de Christian Ludwin. A veces los directores modernos insertan un movi
miento lento de otra obra de Bach, mientras otros ejecutantes separan los dos movimientos rápidos con los dos acordes.
En contraste con el Tercer Concierto y las partes del Primero, verdaderamente orquestables, el Concier
to Numero 4 es un verdadero concerto grosso. En este caso el concertino consiste de un violín solistas y dos flauti d'echo. Los musicólogos no saben exactamente qué instrumentos pueden haber sido estas flau
tas de eco". Bach no las incluye en ninguna otra de sus obras. El historiador Thurston Dart creía que era otro nombre del caramillo, un instrumento pequeño muy agudo utilizado para enseñar a cantar melodías
a los pájaros enjaulados. En la actualidad estas partes se tocan con flauta dulce o flauta traversa.
Como en los Conciertos Brandeburgueses Números 2 y 5, Bach destaca a un instrumento del concertino
para darle un tratamiento particularmente virtuoso. En el Cuarto Concierto ese instrumento es el violín. La textura resultante de un violín solista en contraste con un par de vientos, todos ellos acompañados por las cuerdas, queda establecida más claramente en el primer movimiento. Aquí los dos vientos casi siempre forman una pareja, tocando frecuentemente la misma música con el intervalo de una tercera. En el segundo movimiento, el concertino es tratado más como una unidad, a veces solo y a veces junto con el ripieno. Sin embargo, aun aquí los dos instrumentos de viento están frecuentemente aparejados. En el final con forma de fuga, las flautas aparejadas dan lugar a stretti: una flauta entra con el tema an
tes de que la otra lo haya finalizado. Nuevamente se da al violín el tratamiento de un solista virtuoso.
El Quinto Concierto también es un verdadero concerto grosso. El concertino está compuesto por flauta,
violín y clavecín, y el ripieno está formado por las cuerdas. Sin embargo, el Concerto va más allá de la forma tradicional del concerto grosso. Normalmente el ripieno está apoyado por el clavecín, que toca la parte del continuo. De este moco, el instrumento del teclado generalmente juega un papel esencial, pero de fondo. No obstante, en el Concierto Brandeburgués Número 5, el clavecín es miembro- el más promi
nente- del concertino. Es así que el clavecinista desempeña dos papeles: intérprete del continuo y solis
ta. Dde este modo, el Quinto Concierto Brandeburgués es en realidad un concierto para clavecín.
Bach sacó la mayor ventaja del clavecín como instrumento solista. El punto culminante de su virtuosis
mo se produzca hacia el final del primer movimiento, donde se le da una larga cadencia sin acompaña
miento. El movimiento intermedio, por contraste, es música de cámara. Los tres solistas tocan lo que en definitiva es una sonata para terceto, mientras el ripieno permanece en silencio. El movimiento final es una fuga, introducida en primer término por el concertino, al que luego se le unen los ripieni.
El Sexto Concierto, igual que el Tercero, está instrumentado para cuerdas y continuo. Sin embargo, el sonido de estos dos conciertos para cuerdas es completamente distinto. El Sexto omite los violines. Bach probablemente no quería que el sonido más brillante del violín distrajera la atención del sonido más sombrío, más íntimo, de las violas solistas.
También en contraste con el Tercero, el Sexto Concierto Brandeburgués es un verdadero concerto gro
sso. Las dos violas solistas, a las que a veces se une el violonchelo, aparecen en contraste con el cuerpo mayor d cuerdas que lo acompañan. La orquesta está compuesta por dos violas, dos violas de gamba, violonchelo y continuo (probablemente clave y bajo). Bach anotó que las partes para la viola debían in
terpretarse con violas de braccio, violas "de brazo", sostenidas en la forma en que se sostiene la viola moderna. La viola de gamba s una viola "de pierna", que se sostiene entre las piernas, en forma pareci
da a la del violonchelo moderno.
El Sexto Concierto es un tour de force del contrapunto. Enj el primer movimiento oímos toda la suerte de imitaciones. La imitación se produce cuando instrumentos diferentes tocan la misma melodía pero no al mismo tiempo. El rondó, el canon y la fuga son tres ejemplos de formas imitativas. Pero el con
cierto no sigue ninguna de estas formas estrictas en ningún movimiento completo. Hay dos variables de la música imitativa que Bach explota plenamente: altera tanto el intervalo de tono como el intervalo de tiempo entre las melodías presentadas imitativamente. Muy al principio, por ejemplo, las violas tocan la misma melodía separada apenas por medio compás. En este procedimiento supone una considerable ha
bilidad de parte del compositor, puesto que no solamente debe sonar bien el contrapunto, sino que, ade
más, las notas en el compás de una de las partes para viola deben sonar bien fuera del compás cuando se las oye menos de un segundo después en la otra parte para viola. Un poco más adelante Bach presenta una variante de la melodía inicial en una imitación de cinco partes en el espacio de dos compases com
pletos: violonchelo, primera viola, primera viola de gamba, segunda viola y segunda viola de gamba. En todo el primer movimiento podemos oír imitaciones aun más ingeniosas. Bach hace que el oyente oiga estas complejidades limitando el acompañamiento a los materiales más simples: notas repetidas que articulan armonías que cambian lentamente.
El segundo movimiento, un trío para violas y violonchelo acompañado por el continuo, también es imi
tativo, con periodos relativamente largos entre las entradas del tema principal. El movimiento final, una giga, expone la imitación más como un detalle del desarrollo que como una técnica de relleno. Las vio
las y el violonchelo tienen unos pocos pasajes virtuosos, en los que se los trata, a la verdadera manera del concerto grosso, como a un trío de solistas acompañado por una pequeña orquesta.
De mi libro "Invitación a la Música de Jonathan Kramer." Fotos subidas de internet.
Esta saga es la mejor del mundo. Es buenísima y me encanta . Se la dedico a mis noruegos favoritos.
Este año van a poner el capítulo VII de esta saga y espero que sea tan buena como las anteriores. Luke,está casado con una guapa pelirroja y tienen un hijo al que han llamado Ben Skywalker, en recuerdo de su amigo Ben Kenobi. Leia y Han Solo, también están casados y tienen tres hijos y uno de ellos se llama Anakin, como el padre de ella y su hermano Luke. La música está compuesta por John Williams , que para mí, es el mejor compositor de música de todos los tiempos. Me encanta esta saga por los impresionantes efectos especiales que tiene y extraños personajes como los de la primera peli, " La guerra de las Galaxias" que pudímos ver cuando Luke y Ben entran en un bar . Otros protagonistas que me encantan son R2D2 y C3PO. También hemos podido ver como empezó toda la historia en los capítulos I, II y III. En ellos hemos podido ver como ha crecido Anakin Skywalker, el padre de Luke y Leia, que luego se convertiría en el peligroso DarthVader. Ben Kenobi está interpreta do por Ewan McGregor y la madre de los gemelos Skywalker fue intepretada por Natalie Portman.
Fotos subidas de internet.
Esta era una de mis series preferidas. Me encantaba Starsky, Me parecía super divertido y me reía mu
cho con este personaje. Me acuerdo que cuando iba al colegio Padre Poveda tenía una compañera de clase que se llamaba Susana Gonzalez que jugaba conmigo a que era la directora de la serie y yo era Starsky. Era divertido el juego. Además, traía unos libritos con dibujos basándose en la serie y me los regalaba. También me acuerdo que en esa época vinieron unas personas a hablar sobre la violencia en las películas y que no debíamos verlas. La peli con Owen Wilson y Ben Stiller me parece malísima y super tonta. No es tan buena como la serie.
Esta serie era de los años 70 y tenía 92 episodios que duraban 48 minutos además, de un episodio pi
loto de 90 minutos. Fue creada por William Blinn junto con su equipo el 30 de Abril de 1975 y el 15 de Mayo de 1979 en la cadena ABC. Fue dirigida por Jack Starret que se hacía llamar Claude Ennis Starret Jr.Veinticinco años después, fue llevada al cine . Starsky era Ben Stiller y Huch era Owen Wilson.Fotos subidas de internet.
Starsky y Huch. Primera temporada
Starsky y Huch. Segunda y tercera temporada
Película Starsky y Huch( 2005)
Después de la serie que le hizo tan famoso, David Soul actuó en una película de terror basada en un li
bro de mi escritor favorito Stephen King. La peli se llamaba " El misterio de Salems Lot" El malo de la película era "James Mason." Y también me acuerdo que compuso una canción que se llamaba Silver Lady. ¿ Os acordais de ella?
De izquierda a derecha: Ben Stiller, David Soul, Paul Michael Glaser y Owen Wilson
Sinfonía en Fa menor, Op. 36
La cuarta sinfonía fue compuesta entre mayo de 1877 y el 7 de enero de 1878. Nicolai Rubistein diri
gió el estreno en Moscú, el 22 de febrero de 1878.
Tchaikovsky detestaba tener que ganarse la vida enseñando música a alumnos a quienes no les impor
taba la música y carecían de talento.
"Aunque sea un asunto monótono el haberme visto obligado a explicar a mi clase de jóvenes caballe
ros, durante once años consecutivos, en qué consiste una triada, por lo menos he tenido el consuelo de sentir que les estaba metiendo conocimientos esenciales porque tenían la intención de dedicarse a la música como profesión. ¡Pero las clases de las jovencitas! !Por todos los cielos! Entre sesenta o se
tenta, sólo cinco de ellas como máximo alguna vez llegarán a ser músicas. El resto viene al conserva
torio para ocupar su tiempo o por otros motivos que nada tienen que ver con la música. No es que sean menos inteligentes ni que trabajen con menos ahínco que los hombres. Más bien es lo contrario, pero todas fracasan en el momento en la que son incapaces de aplicar una regla mecánicamente o uti
lizarla de memoria. Con frecuencia pierdo la paciencia-y la cabeza-con ellas me pongo francamente furioso.El compositor era demasiado, ingenuo para comprender que estos arranques de furia en realidad lo hacían parecer más misterioso a los ojos de ese grupo de estudiantes que iban a estudiar"
por motivos que nada tenían que ver con la música". Tchaikovsky era un soltero apuesto, y su músi
ca apasionada atraía a muchas mujeres jóvenes a sus clases. A estas les parecía que su furia era se
xualmente atractiva. . Él apenas las notaba, aun cuando ocasionalmente recibiera cartas de amor de las jovencitas que tenía en sus clases. Una de estas mujeres fue mas persistente que el resto. Anto
nia Milyukova estaba obsesionada por su declarado amor por el compositor y estaba decidida a con
vertirse en su esposa a toda costa. Cuando Tchaikovsky recibió una carta de ella, apenas recordaba quien era, a pesar de que la muchacha se había graduado cinco meses antes. Antonina le declaraba
su amor y su admiración y le rogaba encontrarse con él. Tchaikovsky respondió la carta y accedió a la cita.
Tal vez el compositor estaba dispuesto a encontrarse con esta joven un tanto desequilibrada debido a su decisión de contraer matrimonio. No tenía en mente a nadie en particular como compañera, pero anhelaba la calidez de la vida de hogar y estaba ansioso por desalentar los crecientes rumores de que era homosexual. Los rumores eran verdad.
Antonina no fue la única mujer que entró en la vida de Tchaikovsky mientras estaba empezando a tra
bajar en la Cuarta Sinfonía. "Nadezhda Filaretovna von Meck" era una viuda de unos 45 años, con una docena de hijos, amante de la música y con muchísimo dinero. Conocía y admiraba la música de
Tchaikovsky y deseaba conocerle. Se convirtió en la patrocinadora del autor. Lo apoyaba con encar
gos, luego con préstamos que no esperaba que el músico le devolviera y, finalmente, con una mensua
lidad regular.El compositor sentía que era una verdadera amiga. Nunca pensó en ella como posible es
posa y siempre la consideró como algo más que una fuente de los fondos que le eran neecesarios para mantener su tan mal administrada vida.
Al principio no le contó nada a su amiga acerca de su esposa. Pero le contó lo de su homosexualidad, pero ella le replicó que se casaría con él para "reformarlo" y no le importaba si su matrimonio se con
vertía solamente en amistad. Pero ella también tenía un secreto . Ella era ninfómana y tuvo muchas relaciones. El compositor no lo descubrió hasta su noche de bodas.
El compositor escribió una carta a Nadezhda sobre su boda, apenas tres días antes de esta. Ella esta
ba herida pero tenía mucho orgullo para demostrarlo. Se sintió insultada porque el había esperado mucho tiempo para decirle eso. Contestó a su carta apoyándole y le mandó más dinero.
Tchaikovsky tenía muchos problemas en su matrimonio y los nervios a flor de piel. Así que cogíó el dinero que le dió Nadezhda y se fue de casa. Entonces comenzó a trabajar en la Cuarta Sinfonía. En
tonces escribió una carta a su amiga contándole los horrores de su vida de casado. Al volver a Moscú para seguir como profesor , le esperaba su esposa y aparecieron las tensiones y las penas. Intentó sui
cidarse y hasta pensó en el asesinato. Dejó el conservatorio y se mudó a un apartamento, para no vol
ver a vivir con su esposa sumergiéndose en la composición de su sinfonía.
Su mujer no quiso darle el divorcio porque para las leyes de Rusia, la única causa sería el adulterio.
Pero fue la mujer la que lo cometió. Desde 1879 en adelante tuvo varios amantes y con ellos tuvo mu
chos hijos, a los que entregó en adopción. Se la declaró loca en 1896 y se la internó en un manicomio
hasta su muerte en 1917.
El compositor recuperó la estabilidad mental dedicándose a su trabajo de composición. Trabajó inten
samente en la sinfonía , la que dedicó a Nadezhda von Meck. Ella lo había apoyado durante todo el
difícil período de su matrimonio. La dedicatoria hizo más fuerte la amistad.
De mi super libro " Invitación a la Música de Jonathan Kramer"
Esta obra es una canción de amor llamada "¡ Ah ! Ben Mío " , que expresa el pensamiento de Manriqua la que ha de ser su esposa, en el acto tercero del "Trovatore".Foto subida de Internet. .
El crepúsculo de los dioses. Viaje de Sigfrido por el Rhin
La famosa música "Viaje de Sigfrido por el Rhin" forma parte de la obra El crepúsculo de los dioses y sirvió como interludio entre el prólogo y el acto primero del último drama "Thunder of God", quizás
Wagner creyó que los actores secundarios tenían bastante ocupándose de galopar, encender piras funera rias y otros efectos por el estilo; de todos modos les dio unos minutos de descanso mientras la orquesta describía la separación de Sigfrido de su amada Brünnhilda. La música evoca las hazañas pasadas del héroe y presagia su triste final. Fotos subidas de internet.
El ocaso de los dioses. Viaje de Sigfrido por el Rhin
Esta obra también está en mi interminable lista de favoritos. Es preciosa y me encanta.
El preludio de "Lohegrin" trata de un solo motivo de la ópera, el del "Santo Grial". La descripción
hecha por el propio Wagner es como sigue : " En el claro cielo azul parece condensarse una visión maravillosa aunque apenas perceptible al principio; de aquí emerge paulatinamente cada vez con más nitidez, un ejército de ángeles portadores del Santo Grial. Cuando este se acerca la tierra derra ma exquisitas fragancias, como dorados raudales, embelesando los sentidos del espectador. La vi
sión se acerca aún más, y se llega la clímax cuando por fin se revela el Grial en toda su gloriosa rea
lidad, irradiando una luz brillante y llenando las almas de emoción. El espectador, anonadado, cae
de rodillas en muda adoración. El Grial derrama su luz sobre él como una bendición y le consagra a
su servicio; luego los rayos luminosos se esfuman y las huestes angélicas se pierden de nuevo en
las alturas tras haber purificado una vez más los humanos corazones por medio de la sagrada bendi
El idilio de Sigfrido
Esta obra tampoco la conocía y me ha gustado mucho . Así que, también la guardo en mi larga lista de favoritos. Fotos subidas de internet.
El idilio de Sigfrido fue terminada el 4 de Diciembre de 1870. Wagner dirigió el estreno en su hogar cer ca de Lucerna, Suiza el 25 de Diciembre de ese mismo año.
Cósima Wagner tenía 33 años el día de Navidad de 1870. Fue despertada por el sonido de una música- una música nueva, maravillosa, desconocida-tocada por un conjunto de cámara. Más tarde, Cósima es cribió en su diario:
Cuando me desperté mi oído percibió un sonido que se elevaba más y más pleno; ya no podía imaginar que estaba soñando; la música estaba sonando, ¡ y que música! Cuándo terminó, Richard entró en mi ha bitación con los niños y me ofreció la partitura del poema sinfónico de cumpleaños. Mis ojos estaban llenos de lágrimas, pero también lo estaban los de todos los demás de la casa. Richard había acomoda do a la orquesta en la escalera y de este modo nuestra " Triebschen" ( su villa en Suiza) quedó consa grada para siempre. Después del almuerzo la orquesta entró en la planta baja de la casa y volvimos a oír el Idi lio, para la profunda emoción de todos nosotros.
La música del Idilio de Sigfrido fue escrita para expresar la felicidad que Wagner encontraba en su ma trimonio con Cosima, en su nuevo refugio a orillas del lago de Lucerna y por su hijito Sigfried. El com positor había encontrado la paz por más que fuera temporaria, después de luchar contra el escándalo pú blico.
Cósima había sido el origen del escándalo que casi arruina su carrera. Ella era la segunda de los tres hi jos ilegítimos de "Franz Liszt" y la condesa "María dÁgoult". Cuando se despertó el interés de Cósima por Wagner, ella estaba casada con el director "Hans Von Bülow", con quien había tenido dos hijas.
Wagner era amigo del director y además tenía tratos profesionales con él. Von Bülow había dirigido re presentaciones importantes de la música de Wagner, incluyendo el estreno de "Tristán e Isolda" y Wag ner había utilizado su influencia ante el rey, contribuyendo a que Von Bülow fuera mantenido en una po sición de importancia en Munich.
En un principio, Wagner vaciló en iniciar una relación con Cósima, porque pensaba que sería la ruina pa ra Von Bülow pero el deseo y el egoísmo se impusieron. Wagner estaba separado de su esposa Mi nna, invitó a la familia Von Bülow a pasar parte del verano de 1864 con él. Cósima y sus hijos llegaron una semana antes que el director. Durante esa semana Cósima y Wagner consumaron su amor. Los amantes se lo confesaron a Von Bülow cuando este llegó. Esto le produjo un gran sufrimiento al direc tor, pero era un hombre débil, que sabía que su carrera estaba en manos del influyente compositor. El director no tenía control sobre la conducta de su esposa. Se quedaron en la casa de Wagner durante gran parte del verano, deseando mantener las apariencias y evitar el escándalo. Cósima compartía el afecto de ambos hombres. Este arreglo tan poco convencional pareció inspirar a Wagner, que comenzó un cuarteto para cuerdas que finalmente se incorporó al Idilio de Sigfrido.
Cósima quedó embarazada. Su hija Isolda nació en Abril de 1865, pero ella no estaba segura de quien
era el padre. A medida que la niña crecía, sus rasgos empezaron a parecerse a los del compositor. A lo largo de los meses siguientes, Cósima vivió alternativamente con Wagner y con Von Bülow, con el pri mero por amor y con el segundo por mantener las apariencias. Era esencial que el rey se enterara de to do el asunto. Todo Munich murmuraba acerca de la paternidad de Isolda. Wagner mentía para conservar var el favor del rey.
El compositor compró al propiedad de Triebschen , en Suiza, en la primavera del año siguiente y ese ve rano intentó de nuevo acallar las murmuraciones invitando a toda la familia Von Bülow. El director se
guía pensando que no tenía otra elección que aceptar la invitación. Wagner y Cósima seguían negando su relación ante el rey, aun cuando Cósima estaba embarazada del segundo hijo del compositor. Cuando Von Bülow se fue hacia finales del verano, Wagner se las arregló para convencer al rey de que Cósima se había quedado solamente porque él estaba en mejores condiciones de cuidarla que su esposo.
En Febrero de 1867, Cósima dio a luz una hija, Eva. Públicamente seguía sosteniendo que Von Bülow era el padre y el director se apresuró a ir a ver a la niña por las dudas de que fuera suya. En el siguiente mes de abril, Cósima volvió a vivir con von Bülow, aunque se aseguró de que su vivienda tuviera una habitación para su frecuente huésped. Ambos hombres seguían compartiendo a la dama.
Al año siguiente, ya era imposible mantener esta situación. Bülow que dirigió la premier Meistersin ger, pero muy pronto sería humillado en público. Cósima volvió a pasar el verano con Wagner "Trieb schen", esta vez sin su marido. Wagner había encontrado otro director a quien encomendarle la repre sentación de sus obras y Cósima le escribió a su marido diciéndole que no volvería con él. Estaba em barazada nuevamente de Wagner , aunque al principio lo negó. Empezó a hablar de la posibilidad de un divorcio. El director ya no creía que volviese a vivir con él, pero sabía que el escándalo que rodearía al divorcio se ría el final de su carrera como director en Munich.
En junio de 1869, nació Sigfried Wagner. La prensa informó que la amante del compositor había dado a luz de nuevo. La reciente reposición A Von Bülow ya no le quedaba dignidad ni esperanza. La reciente reposición de Tristán, a cargo de von Bülow, fue alabada en los periódicos por la devolución que el di
rector había puesto en la obra del amante de su esposa. A von Bülow ya no le quedaban dignidad ni es
peranza. Envió a sus hijas a vivir con su madre y Wagner y renunció al puesto de director en Munich. Debido a este escándalo , Wagner fue desterrado de los círculos sociales y musicales de Munich. No se le permitió supervisar los estrenos de sus dos primeras obras del ciclo de los Nibelungos. El escándalo perjudicó también la carrera de Liszt, padre de Cósima. Finalmente, Von Bülow estuvo de acuerdo en divorciarse y Wagner ( cuya esposa había fallecido muy convenientemente) y Cósima se casaron, el 25 de agosto de 1870. Durante su primera Navidad como pareja de casados, Wagner le regala a su esposa la obra de "El Idilio de Sigfrido."
La composición usa temas del tercer acto de la ópera Sigfrido y también la canción de cuna "Duerme, Niño, Duerme". Wagner había destinado eta obra solamente a su familia y amigos, pero debido a dificul
tades financieras, se vio forzado a publicarla en 1878, en una versión para orquesta completa. Es la úni
ca composición sinfónica de la edad madura de Wagner. También publicó un programa detallado:
Los primeros noventa compases de El Idilio de Sigfrido, para cantar a la pureza y santidad del alma de un niño, utiliza el tema de Brunilda de la ópera Sigfrido("De la Eternidad a la Eternidad Soy Yo.") La madre, cerca de su cuna hace dormir al niño cantándole una canción de cuna. Él se queda dormido, du
rante las notas suaves e intermitentes del corno. La madre se da cuenta que se ha dormido pero sigue cantando, aunque deteniéndose varias veces. Una serie de trinos...(indica que) el niño ahora duerme pro
fundamente. La madre mira pensativamente a su amado hijo y sueña acerca de su futuro. Parece estre
mecerse mientras piensa en el hombre desconocido que surgirá de este niño: arpegios en las cuerdas. Imagina(cuando la métrica cambia a 3/4) a un joven apuesto en la flor de la juventud). Este es el tema de la gloria de Sigfrido, perteneciente a la ópera("Sigfrido, Tú Glorioso Protector del Mundo"), tocado por un juego alternado de flautas, clarinetes y oboes. Una corrida descendente del clarinete expresa el deleite de la madre; luego las cuerdas toman el tema...Está combinado con la música sacra: en el alma de la madre su recuerdo de la infancia del niño y de sus cuidados hacia él se unen a esta visión de la ma
durez... Ahora la madre imagina al joven que se hace hombre y crece en fuerza: está impulsado a reali
zar actos importantes. Se gana un lugar entre los hombres. Pero luego llega un momento de contempla
ción. Un deseo sin nombre captura el corazón del joven mientras vaga solo (sonidos de la foresta y can
tos de pájaros y el tema de amor y unidad de Sigfrido). La pasión se despierta en él y siente por prime
ra vez los dolores que agotan el alma. Su pasión crece hasta que finalmente el amor lo hace feliz. El so
nido más alto de alegría señala la plenitud de la felicidad de su vida enamorada. Los cantos de pájaros predicen el éxito (de Sigfrido) y la alegría está expresada junto con los sentimientos sobre la infancia inocente del alma(" Desde el Tiempo de la Juventud, Una Canción Siempre Canta en Mí")... La madre se despierta de su ensueño y se vuelve otra vez hacia el niño dormido. Agradece su felicidad y le ruega
al cielo que bendiga a su hijo. Una vez más se oye la canción de cuna, junto con el tema de la santidad.
De pronto se vuelven los inquietantes cornos del bosque y los cantos de pájaros. ¿A caso el niño sueña con su futuro? No, duerme tranquilamente con una sonrisa feliz... Después de un último beso amante de la madre, el futuro héroe queda al cuidado de Dios. Foto subida de Internet.
De mi libro "Invitación a la Música de Jonathan Kramer"
El idilio de Sigfrido
Richard Wagner
Wagner y su hijo Siegfried
Cósima Wagner
Richard Wagner, Cósima Wagner y Siegfried Wagner
Película "Un método peligroso" con Viggo Mortesen y con música de Richard Wagner tocada con el piano.
Los Maestros Cantores. Obertura
En el Preludio se presentan tres elementos de la historia de "Los Maestros Cantores": los principian
tes; el héroe de la ópera, Walther von Stolzing; y los propios Maestros Cantores. En el curso de la
música sus temas respectivos se enfrentan claramente entre sí, pero por fin se unen en un contrapun
to triunfante que no deja lugar a dudas sobre el resultado de la contienda. En su retrato orquestal de
los Maestros Cantores, Wagner se limita a tratar temas generalizados; los aspectos benévolo y malé
volo de la hermandad, personificados en la ópera por Sach y Beckmesser, no surgen hasta después
de alzarse el telón.
El Preludio de Parsifal ya está en la lista de mis favoritas pero la Música del Viernes Santo no la co nocía y la acabo de incluir ahora. Es fantástica. Me encanta. "Parsifal" es una afirmación musical de fe en la que la muerte espiritual es el castigo merecido por el deseo físico, castigo que sólo puede ser evitado por un renacimiento espiritual. El drama todo, por consiguiente, posee una atmósfera religiosa, cristiana en su simbolismo, pero mas afín al budis afín al budismo en sus ideas básicas. El Preludio es un prólogo orquestal no dramático y basado en en tres temas: Amor, Fe y Esperanza. La "Música del Viernes Santo" es un paisaje "bosque y pradera bajo la luz matutina"-, pero un paisaje visto a través de una lente emocional muy peculiar y bañado en una luz religiosa. Parsi fal ha vencido el deseo físico en la persona de Kundry, a quien bautiza después, y Gürnmanz confiere al joven el título de Rey de los Caballeros del Grial. Gürnemanz explica a Parsifal el significado del día y la participación de toda la Naturaleza en el sacrificio redentor que se con memora. El dúo de oboe y clarinete que se eleva sobre las delicadas y oscilantes cuerdas no co rresponde a fenómeno alguno del mundo visible, sino que habla de paz y reconciliación; lo ani mado y lo inanimado , todo está con Dios.
Addio del passato (La traviata)
Esta obra trata sobre el emocionante lamento de Violeta del acto final de la "Traviata". Sola y moribun
da se despide del pasado, de sus sueños de amor y felicidad. En este vídeo es cantada por María Callas. Foto subida de internet.
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